La ocarina: 2010

sábado, 11 de diciembre de 2010

Jonas Brothers

2. Jonas Brothers: La primera visita del grupo revelación de Disney, atrajo la atención de miles de fanáticos, que sin importarles el hecho de pagar el monto de $411.000 disfrutaron de la presentación de Kevin, Joe y Nick en vivo, convirtiéndose en la segunda localidad más costosa de los conciertos realizados en Bogotá. el tiempo

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1. Sting:

1. Sting: El ex cantante de la popular banda 'The Police' estuvó en Bogotá el día miércoles 6 de mayo, como parte de una obra social. El valor de su boletería fue de 1'100.000 pesos, reclamando el primer lugar como el concierto más caro del 2010. el tiempo

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Los conciertos más costosos del 2010

Este año Bogotá recibió la visita de grandes artistas, tales como Metallica, Aerosmith, Jonas Brothers, Rammstein, Korn, Placebo, Guns N' Roses, Coldplay, Scorpions, entre otros.

También llegaron nuevas propuestas para la gente, como el Festival EstereoPicnic y Nem Catacoa, que con sus primeras versiones lograron reunir reconocidas agrupaciones en las que se destacan Green Day, Jamiroquai, The Bravery, El Cuarteto de Nos, Matisyahu y lograron destacarse como nuevas opciones para presentar espectáculos de primer nivel en Colombia. el tiempo

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jueves, 9 de diciembre de 2010

Dali

Pese a haber superado la cifra prevista, la obra de Dalí no fue la más cara de una jornada en la que se adjudicaron obras por más de 2,9 millones de dólares.

La estrella del día en la sede de la casa de subasta de Christie's fue, con un precio final de 1.874.500 dólares, "Mouth 8" (1966) del estadounidense Tom Wesselmann (1931-2004), integrante del movimiento del Pop Art y conocido por sus impactantes desnudos femeninos.el tiempo

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Playboy vende un desnudo realizado por Dalí

Esa pintura, realizada por Salvador Dalí en 1966 a petición de la revista, ha decorado durante décadas la habitación del fundador de la revista, Hugh Hefner, en la conocida Mansión Playboy de Berverly Hills (California, EEUU) y es una reinterpretación artística de las mujeres que suelen copar las portadas de la publicación.

Para la firma de subastas, Dalí, al igual que Playboy, rompió barreras captando con "su arte surrealista la belleza clásica" en la pintura "Playmate", que estaba valorada entre los 100.000 y los 150.000 dólares.el tiempo

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Gaviria como productor

Ese fue, precisamente, el objetivo que se impuso Gaviria como productor al momento de armar el disco: respetar la esencia de las canciones, pero imprimiéndoles un "aire fresco".

"Las generaciones anteriores tienen claro quién era Jaime R. Echavarría, pero hay nuevas generaciones que no lo saben. Y creo que al hacer un disco con sonido y artistas modernos, las nueva generaciones empezarán a valorar tanto el repertorio como a su autor", explica Gaviria.

De allí, el toque americano y de jazz que pueden tener interpretaciones como las de Secada y Gutiérrez, el aire 'pop' que le imprime a su versión el mismo Gaviria o sabor tropical que presenta Mauricio & Palo de Agua en 'Cuando voy por la calle'.

"Es un producto como nos lo imaginábamos, a la altura de artistas internacionales como cuando los amigos le cantan a Tony Bennett o a Nat King Cole. Estoy fascinado con el resultado final", concluye el hijo del compositor, que falleció en enero de 2010.

Aunque por ahora la circulación del disco es cerrada, la idea es abrirlo al público general el próximo año el tiempo

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sábado, 4 de diciembre de 2010

Caribou, la venganza del 'electronerd'

Uno de los nuevos genios de la música electrónica experimental viene a Bogotá.
Encerrado entre cuatro muros de su apartaestudio en Londres -la mediana ciudad manufacturera canadiense, no la capital británica-, Daniel Snaith compuso 600 pistas musicales para llegar a Swim , su reciente álbum, con tan solo nueve cortes. A veces, escribía y grababa parte de una canción por la mañana, salía a almorzar a un restaurante cercano y luego a nadar, y volvía por la noche para terminar la mezcla. Así, en medio de ese hábito riguroso y calculado, propio de un PhD en matemáticas, surgió Odessa , una de las canciones que hoy sacuden las rumbas electrónicas en todo el mundo. "Soy un adicto al trabajo, pero es que disfruto haciendo esto, estoy en mi casa y no tengo nada más que hacer", justifica Snaith, quien interrumpe su 'retiro social' para atender el teléfono. Bajo su álter ego, Caribou, con el que ha publicado tres álbumes de manera independiente ( The milk of human kindness (2005), Andorra (2007) y Swim (2010), el segundo de ellos merecedor de un premio Polaris, el artista y su banda vendrán a Bogotá a tocar este 28 de octubre. Su música, que a veces suena a psicodelia, melancolía y tecno, combina sintetizadores, secuencias electrónicas, guitarra eléctrica, bajo y batería. La voz, además, forma otra de las capas en esta compleja textura. el tiempo

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Baldur Brönnimann

La dirección está a cargo del titular Baldur Brönnimann y del invitado, Rodolfo Saglimbeni. Hay tres líneas: obras inspiradas en el canto y la danza (Francisco Zumaqué, Antonio María Valencia, José Oriol Rangel), la línea romántica y clásica (Guillermo Uribe Holguín, Andrés Martínez Montoya o Ángel), y la línea de los retratos de la tierra y de sus pobladores, de Álvaro Ramírez Sierra, Jesús Pinzón Urrea o Santiago Velasco Ll. el tiempo

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Compositores colombianos: 200 años de música sinfónica

"Es una radiografía breve sobre la banda", resumió "Meme". Tras 21 años en la música y cuestionado sobre lo que sigue, respondió: "No vamos haciendo muchos proyectos a futuro, lo que va sucediendo, va sucediendo.

Somos acción y reacción, nosotros hacemos música, el público responde, y volvemos a hacer música".

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sábado, 9 de octubre de 2010

Cripple Clarence Lofton

Cripple Clarence Lofton fue un pianista y cantante de boogie woogie y blues, nacido en 1887, aunque esta fecha está discutida por algunos autores, que proponen como más probable la de 1896.^[1] Falleció en 1957, en la más completa miseria.
Casi toda su vida musical la desarrolló como pianista de los barrelhouses de Chicago. Aunque grabó pocos discos, llegó a obtener algunos éxitos interesantes, como sus temas Streamline blues o I don't know. Este último estuvo en listas de éxitos, aunque en la versión del bluesman Willie Mabon.
Su estilo se caracterizaba por su potente línea de bajos ambulantes. wikipedia

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Mance Lipscomb

Mance Lipscomb, fue un cantante y guitarrista de blues, nacido en Navasota, Texas, el 9 de abril de 1895, y fallecido en el mismo lugar, el 30 de enero de 1976.
Inicialmente, Mance tocaba el violín, en fiestas campestres y salas de baile, y sólo comenzó a tocar la guitarra mucho más tarde. Era un verdadero músico folk, que incluía en su repertorio no sólo blues, sino también rags, gospel, baladas..., todo ello en un estilo ligero y bailable, con una técnica autodidacta y original en la guitarra. Entre sus temas más populares, estaban Buck and wing, que era una danza típica de las plantaciones (su padre había sido esclavo en ellas), y Heel and toe polka.^[1]
Siempre vivió en su pueblo natal, cuidando su parcela agrícola. En 1959, con más de 60 años, grabó su primer disco para Reprise. El éxito del mismo entre los folkies, le permitió actuar en numerosos festivales, sin por ello dejar su granja de Texas. Grabó además varios discos de grán calidad para Arhoolie Records y dictó su autobiografía, editada en Estados Unidos bajo el título de I say me for a parable. wikipedia

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Furry Lewis

Walter "Furry" Lewis, fue un guitarrista y cantante de blues, nacido en Greenwood, Misisipi, en 1893, y fallecido en Memphis, Tennessee, el 14 de septiembre de 1981.
Lewis creció en Memphis, donde aprendió a tocar la guitarra, especialmente la guitarra hawaiana. Trabajó mucho tiempo en un medecine show, hasta que tuvo un accidente que supuso la amputación de una pierna. Se convirtió entonces en un songster, tocando con bandas de cuerda, con un amplio repertorio, desde el blues a las baladas angloirlandesas. En 1927, emigra a Chicago, donde grabó un buen número de temas, que vendieron poco pero tuvieron muy buena acogida entre los artistas folk. Volvió a Memphis en 1929, donde trabajó de barrendero municipal, abandonando la música profesionalmente.
Una grabación realizada en 1959 para Folkways. relanzó su carrera y lo llevó a actuar en festivales de blues y folk por todo el mundo. Se asoció, además, con músicos de rock, como Don Nix o Leon Russell, a quienes acompañaba en sus giras; también realizó algunas apariciones en películas (junto a Burt Reynolds, por ejemplo), y grabó un gran número de álbumes. Todo ello hizo que se convirtiera en un músico famoso wikipedia

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sábado, 25 de septiembre de 2010

Bruno Lomas, nacido en Játiva, Valencia, fue otro referente de los comienzos de rock en España, famosa es su particular versión de La casa del sol naciente. Ganó importantes premios de renombre por aquella época, el premio a la crítica del festival de Benidorm (Amargo amargo), el primer premio en el festival del Mediterráneo (Como ayer); hizo cine (Codo con codo) y entró en los anales de la historia grabando el primer disco de rock en vivo de la misma (en el teatro Calderón de Barcelona) en 1968. Murió como muchos rockeros, en la carretera, el día 17 de agosto de 1990.
Otro grupo pionero Lone Star, una formación de Barcelona, partícipe en los años 60 y los 70 de la que se dio en llamar «Era Dorada de los Grupos Españoles» (Brincos, Bravos, Sirex, Mustangs, Los Salvajes, Z-66, Tony Ronald Group, Micky y Los Tonys, Los Relámpagos, Módulos, Los Grimm y muchos más), antes de que los grupos de los años 80 también se arrogaran este término. Se decía que si Los Mustang fueron los Beatles españoles y Los Salvajes, los Rolling Stones, Lone Star fueron los Animals, The Who y The Kinks, versionando temas de estos grupos como «Comprensión», «I'm cry», «De día y de noche» y «Nuestra generación», entre otros. Como detalles curiosos de su historia cabe citar, por ejemplo, que fueron pioneros en mezclar rock y jazz, fueron el primer grupo en grabar un LP sin necesidad de reunir varios singles previos, en 1969 graban «Mi calle» (se dice que es una de las primeras letras protesta o denuncia del pop español), de Lyla, su mayor éxito (se hicieron versiones hasta en hebreo), y que fue el único grupo español que actuó en un portaaviones de la Armada de los Estados Unidos ante 4000 infantes de marina en 1970.wikipedia

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la musica española en el cine

Mike Ríos se hizo popular en televisión junto a Raphael durante la primera mitad de los años 60 (fue habitual de un concurso presentado por Joaquín Soler Serrano). En 1964 recuperó su nombre, olvidándose de lo de Mike, perdió a su grupo de acompañamiento, Los Relámpagos, e hizo su primera incursión en el cine, Dos chicas locas, locas (con Pili y Mili), lo que le asentó entre los cantantes más populares. Pero la búsqueda de su verdadera identidad fue lo que le llevó a sufrir diversos altibajos, hasta que un cambio de compañía discográfica le colocó en la verdadera línea. A partir de 1967 llegaron «Vuelvo a Granada», «El río», «Contra el cristal», «El cartel» y «Mira hacia ti». Pero fue en 1970 cuando Miguel pasó de ser estrella en España a ser reconocido internacionalmente. Y no fue con el rock. El «Himno de la alegría» (extracto del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven) amaneció en plena era del rock sinfónico, vendió tres millones de copias en todo el mundo y fue nº 1 en numerosos países. Más tarde, en la década de los 80 relanzó su carrera con el doble directo Rock and Ríos, al que le siguieron varias giras por el territorio español. wikipedia

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rock en español Las décadas de los 60 y 70

Los artistas raramente vivían de las ventas de sus discos, y en cambio actuaban de punta a punta de España, cuando y como los llamasen. Normalmente intercalaban sus propios temas con versiones de grupos anglosajones y canciones populares españolas previas a la aparición del rock. La imagen de los Beatles fotografiados con la montera torera o con la Guardia Civil en su visita a España, ya en verano de 1965, fue todo un símbolo que dio la vuelta al mundo. Para dar un soporte efectivo, pero controlado, a la canción ligera, se crearon festivales de la canción, el de Benidorm, el del Mediterráneo. Así hasta que cada ciudad contó con el suyo más o menos importante. El día que en el programa de Franz Johan, factótum de la primera televisión-espectáculo española, comenzaron a aparecer grupos pop.
Pero años después, todavía a comienzos de los 60, los discos foráneos de rock seguían llegando censurados, con dos o tres canciones menos y otras portadas, y a los artistas locales se les seguía mirando con lupa si eran comprometidos.
Al comienzo con el influjo anglosajón, debutando con el yanquirizado nombre de Mike Ríos. Nacido en el barrio de La Cartuja de Granada un 7 de junio de 1944 y a pesar de ser un tremendo fanático de Elvis Presley, se presentó en un concurso de radio Granada, Cenicienta 60, acompañado de un grupo de amigos cantando una canción de Paul Anka, «Tú eres mi destino», y se llevó la victoria. Un cazatalentos se lo llevó a Madrid con sólo 16 años. Tras superar problemas como la falta de dinero o la de su carné de músico, el 2 de abril de 1961 grabó sus cuatro primeras canciones con destino a un EP. Para entonces el Rock and Roll (se decía) había muerto y lo que triunfaba era el twist. Por eso, Miguel fue bautizado como Mike Ríos, el rey del Twist. wikipedia

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miércoles, 22 de septiembre de 2010

los gaditanos Cai

Otro de los grupos emblemáticos del género, los gaditanos Cai, liderados por el teclista Chano Domínguez, iniciaron su discografía ("Más allá de nuestras mentes diminutas", Trova, 1978) como una banda de rock sinfónico andaluz, aunque ya en ese disco había temas que derivaban hacia el jazz-rock, como "Alegrías de Cai". Muy influenciado por Emerson, Lake & Palmer y el Sonido Canterbury, el grupo fue desarrollando cada vez más sus aspectos jazzísticos, en sus siguientes discos. Pero en esta línea relacionada con el jazz-rock, el grupo de rock andaluz por antonomasia es Guadalquivir, banda fundada en 1977 por los guitarristas sevillanos Luis Cobo "El Manglis" y Andrés Olaegui, que ya estuvieron juntos en un grupo anterior llamado Manantial. Su influencia se extendió a diversos grupos andaluces, que no llegaron a realizar grabaciones, como los sevillanos Aljarafe o los granadinos La Banda del Tio Paco (en la que estuvo el guitarrista gaditano, Nono García). También al grupo del guitarrista extremeño, Tomás Vega, llamado como él, Vega, especialmente en su segundo Lp, "Jara", publicado en 1979.
Artistas que habían desarrollado su carrera fuera del rock andaluz, se acercaron al género en esta época: Pedro Ruy-Blas, en "Luna Llena" (Polydor, 1975); Miguel Ríos, con "Al-Ándalus" (Polydor, 1977); Iceberg, en "Sentiments" (CFE, 1977); Toti Soler, en su Lp "Lonely fire" (RCA, 1979), con Rafael y Raimundo Amador (uno de los inconos del blues andaluz); etc. wkipedia

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1976-1979

Los años siguientes, son los más fructíferos para el rock andaluz, "con pocos devotos en la crítica y muchos seguidores, tanto en los barrios periféricos de las ciudades, como en los pueblos andaluces", en palabras del crítico Luis Clemente. Es en estos años, además, cuando el Rock Andaluz se reviste de la iconografía que será su marca de imagen: acentos árabes, referencias a al-Ándalus, textos místicos... La banda que más pronto recoge todos estos elementos, es Imán, creada en 1976 por Manuel Rodríguez y el teclista Marcos Mantero, y que inicialmente incluía también a Luis Delgado. Su primer Lp, "Califato Independiente", es editado por CBS en 1978, y muestra una fuerte carga de rock sinfónico. Por esa misma línea, se decantan Azahar, cuyo primer disco, "Elixir", es de 1977 (editarían un segundo álbum en 1979), y Mezquita, cuyo álbum de debut homónimo, editado por Zafiro, es para algunos autores lo mejor del rock sinfónico andaluz.^[10] También en ese mismo año, el grupo gaditano Mantra, con el guitarrista Tito Alcedo al frente, haría su única grabación, que permaneció inédita y que se convirtió en objeto de culto.^[11] Dentro de la misma línea sinfónica, otros grupos de cierto renombre regional, no llegaron a registrar su música, como es el caso de los granadinos La Banda de los Hermanos Cruz, o de los jiennenses Trauma. Sí llegaron a editar disco los también granadinos Dofus ("Suite Azul de Rock", Musimar, 1979), liderados por los hermanos Gualda. wikipedia

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Rock Andaluz a mitad de la decada

Cerca de la mitad de la década, la escena del Rock Andaluz comienza a animarse. El grupo Estoques, un grupo de estudio, publica en 1974 un interesante single instrumental, "Mezquita de Mohamed/Regreso a la ciudad", que abre la vía del jazz rock para el género y que, de alguna manera, supone el antecedente directo de bandas como Guadalquivir o Vega. Pero, sobre todo, se publica el primer single de Triana ("Recuerdos de una noche/Luminosa mañana"), el grupo prototípico del género, y que abre la línea del "rock andaluz sinfónico". Garciapelayo, afirmaba en una entrevista en Musical Express, que Triana hacía lo que King Crimson harían si fueran de Sevilla. Un año más tarde, aparecerá su primer Lp, Triana y, con él, la popularización definitiva del género.
Otras bandas que aparecen, o reaparecen, ese mismo año 1975, contribuyen a impulsarlo: Gualberto, con su disco "A la vida - al dolor" , que comienza con un tema con sitar y Enrique Morente; Goma, la banda del guitarrista Manuel Rodríguez, el saxofonista Pepe Sánchez (ex-Gong) y Antoñito "Smash", que facturan un álbum progresivo, "14 de abril", éste sí realmente influido por King Crimson;^[9] o Granada, el grupo del flautista madrileño Carlos Cárcamo, con su Lp "Hablo de una tierra", en el que colaboraba Manolo Sanlúcar (aunque en sus siguientes discos abandonó toda referencia al rock andaluz). wikipedia

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sábado, 18 de septiembre de 2010

Trillera

En sus orígenes se trataban de canciones camperas de carácter popular, asociadas a trabajos rurales. Su conformación lineal y no melismática y su clara semejanza melódica con la nana, indican su procedencia castellana, donde también se conocen verdaderas canciones de trilla.^[2] Se trata, por tanto, de un tipo de canción bastante antiguo, aunque su aflamencamiento tuvo lugar, probablemente, a lo largo del siglo XIX.
Las trilleras se ejecutan sin acompañamiento de guitarra, usualmente con un marcaje del ritmo básico con cascabeles o campanillas, rememorando los que, en su tiempo, llevaban las bestias de tiro durante la faena de la trilla en las eras. El cante se suele complementar con voces arrieras del propio cantaor, para estimular el trabajo de las bestias.
Uno de los intérpretes más reconocidos de estos cantes de trilla fue Bernardo el de los Lobitos

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la toná hoy

Todas las tonás que se conocen hoy en día responden a una misma línea melódica, diferenciándose exclusivamente por las letras. Los textos históricos recogen varios tipos de tonás personales: Las de tío Luis el de la Juliana (llamadas, Liviana, Grande, del Cristo y de los pajaritos), las de Blas Barea, Alonso Pantoja y hasta doce cantaores más. Sin embargo, hoy en día solamente se utilizan la toná Grande, la toná Chica y la del Cristo, que ha sobrevivido gracias a que Antonio Chacón la aglutinó a un tercio de su saeta y fue recuperada por Perico el del Lunar.^[4] En todo caso, se trata de un palo poco cultivado por los cantaores modernos.
De la toná provienen, directamente, palos como la Saeta, el Martinete, la Debla y, en general, los cantes sin acompañamiento. Probablemente también las primeras seguiriyas y las livianas, puesto que existió una toná-liviana con hasta cuatro variantes.wikiepedia

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Toná

Su origen se sitúa en los romances castellanos, adaptados por los gitanos bajo-andaluces como propios y denominados corríos. Etimológicamente, toná deriva de tonada, es decir, acento musical. Su desarrollo hasta convertirse en un cante gitano tiene lugar durante el siglo XVIII, pues algunos autores hablan de que, hacia comienzos del siglo XIX, existían unas 33 clases diferentes de toná,^[2] atribuidas a gitanos de Jerez o Sevilla, aunque muchas de ellas no han llegado hasta nosotros ni han podido ser identificadas.wikipedia

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